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『壹』 新人学画画都有哪些坑

新手在学习一些东西的时候，难免会走一些弯路，这些弯路有可能成为我们的致命伤，最终让我们停止前进的步伐。所以在学习任何新东西之前，去了解一些我们可能掉进的坑，对我们以后的学习一定有很大帮助。

当然绘画这件事情也不例外，很多小白初期学绘画都会条件很多坑，那么到底有哪些坑呢？

如果一个人，学习绘画一年，但是他中间停顿了好久，停顿三个月绘画一次，停顿三个月会换一次，那么到年底的时候，他是不是和年初是一样的呢？所以我们在绘画初期要保持一个持续的输出，不断的强化自己的肌肉记忆，那样我们学到的技能才不至于轻易忘记。

最后总结一下，在绘画初期我们要给自己制定一个有弹性的目标，不要因为目标太高而放弃，在绘画过程中要不断的去向高人请教，那样才能少走弯路，最后要保持一个持续的输出，否则我们的绘画技能很难提高。

我是手绘爱好者墨竹，用画笔记录生活的点滴，欢迎大家关注微信公众号【墨竹手绘屋】

『贰』 怎么画国画急急急！！！

国画 分为写意 工笔 工笔就是细致、认真、有耐心、我感觉主要是临摹知道相关的知识就能画的还可以。 写意就是靠感觉 靠积累了 如齐白石的画 画出来形 神 。不好画 要多加练习。多看相关书最好有老师指点。说起来有点麻烦

这个要简单点

『叁』 初学中国画怎样画

◆ 水墨画

中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。

◆ 院体画

简称“院体”、“院画”，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说：“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”（《且介亭杂文·论“旧形式的采用”》）

◆ 文人画

亦称“士夫画”。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖（参见“南北宗”）。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。唐代张彦远在《历代名画记》曾说：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强调神韵，很重视文学、书法修养和画中意境的缔造。姚茫父的《中国文人画之研究·序》曾有很高的品评：“唐王右丞（维）援诗入画，然后趣由笔生，法随意转，言不必宫商而邱山皆韵，义不必比兴而草木成吟。”历代文人画对中国画的美学思想以及对水墨、写意画等技法的发展，都有相当大的影响。

◆ 画分十门

中国画名词。中国画的分科，唐代张彦远《历代名画记》分六门，即人物、屋宇、山水、鞍马、鬼神、花鸟等。北宋《宣和画谱》分十门，即道释门、人物门、宫室门、番族门、龙鱼门、山水门、畜兽门、花鸟门、墨竹门、蔬菜门等。南宋邓椿《画继》分八类（门），即仙佛鬼神、人物传写、山水林石、花竹翎毛、畜兽虫鱼、屋木舟车、蔬果药草、小景杂画等。参见“十三科”。

◆ 十三科

中国画术语。中国画的分科，唐代张彦远《历代名画记》分为六门；北宋《宣和画谱》分为十门；南宋邓椿《画继》分为八类。元代汤垕《画鉴》说：“世俗立画家十三科，山水打头，界画打底。”明代陶宗仪《辍耕录》所载“画家十三科”是：“佛菩萨相、玉帝君王道相、金刚鬼神罗汉圣僧、风云龙虎、宿世人物、全境山林、花竹翎毛、野骡走兽、人间动用、界画楼台、一切傍生、耕种机织、雕青嵌绿。”

◆ 人物画

绘画的一种。以人物形象为主体的绘画之通称。中国的人物画，简称“人物”，是中国画中的一大画科，出现较山水画、花鸟画等为早；大体分为道释画、仕女画、肖像画、风俗画、历史故事画等。人物画力求人物个性刻画得逼真传神，气韵生动、形神兼备。其传神之法，常把对人物性格的表现，寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中。故中国画论上又称人物画为“传神”。历代著名人物画有东晋顾恺之的《洛神赋图》卷，唐代韩滉的《文苑图》，五代南唐顾闳中的《韩熙载夜宴图》，北宋李公麟的《维摩诘像》，南宋李唐的《采薇图》、梁楷的《李白行吟图》，元代王绎的《杨竹西小像》，明代仇英的《列女图》卷、曾鲸的《侯峒嶒像》，清代任伯年的《高邕之像》，以及现代徐悲鸿的《泰戈尔像》等。在现代，更强调“师法化”，还吸取了西洋技法，在造型和布色上有所发展。

◆ 山水画

简称“山水”。中国画的一种。描写山川自然景色为主体的绘画。在魏晋、南北朝已逐渐发展，但仍附属于人物画，作为背景的居多；隋唐始独立，如展子虔的设色山水，李思训的金碧山水，王维的水墨山水，王洽的泼墨山水等；五代、北宋山水画大兴，作者纷起，如荆浩、关仝、李成、董源、巨然、范宽、许道宁、燕文贵、宋迪、王诜、米芾、米友仁的水墨山水，王希孟、赵伯驹、赵伯骕的青绿山水，南北竞辉，达到高峰。从此成为中国画中的一大画科；元代山水画趋向写意，以虚带实，侧重笔墨神韵，开创新风；明清及近代，续有发展，亦出新貌。表现上讲究经营位置和表达意境。传统分法有水墨、青绿、金碧、没骨、浅绛、淡彩等形式。

◆ 青绿山水

山水画的一种。用矿物质石青、石绿作为主色的山水画。有大青绿、小青绿之分。前者多钩廓，少皴笔，着色浓重，装饰性强；后者是在水墨淡彩的基础上薄罩青绿。清代张庚说：“画，绘事也，古来无不设色，且多青绿。”元代汤垕说：“李思训著色山水，用金碧辉映，自为一家法。”南宋有二赵（伯驹、伯骕），以擅作青绿山水著称。中国的山水画，先有设色，后有水墨。设色画中先有重色，后来才有淡彩。

◆ 浅绛山水

山水画的一种。在水墨钩勒皴染的基础上，敷设以赭石为主色的淡彩山水画。《芥子园画传》说：“黄公望皴，仿虞山石面，色善用赭石，浅浅施之，有时再以赭笔钩出大概。王蒙复以赭石和藤黄着山水，其山头喜蓬蓬松松画草，再以赭色钧出，时而竟不着色，只以赭石着山水中人面及松皮而已。”这种设色特点，始于五代董源，盛于元代黄公望，亦称“吴装”山水。

◆ 金碧

中国画颜料中的泥金、石青和石绿。凡用这三种颜料作为主色的山水画，称“金碧山水”，比“青绿山水”多泥金一色。泥金一般用于钩染山廓、石纹、坡脚、沙嘴、彩霞，以及宫室、楼阁等建筑物。但明代唐志契《绘事微言》中另持一说：“盖金碧者：石青石绿也，即青绿山水之谓也。后人不察，加以泥金谓之金笔山水，夫以金碧之名而易以金笔之名可笑也！”

◆ 青绿

中国画颜料中的石青和石绿。也指以这两种颜料为主色的着色方法。清代王翚说：“凡设青绿，体要严重，气要轻清，得力全在渲晕，余于青绿法静悟三十年，始尽其妙。”（《清晖画跋》）恽寿平也说：“青绿重色，为厚易，为浅淡难，为浅澹矣，而愈见秾厚为尤难。……运以虚和，出之妍雅，秾纤得中，灵气惝恍，愈浅淡愈见秾厚，所谓绚烂之极，仍归自然，画法之一变也。”（《瓯香馆画跋》）阐述了青绿设色的要旨。参见“青绿山水”。

◆ 花鸟画

中国画的一种。北宋《宣和画谱．花鸟叙论》云：“诗人六义，多识于鸟兽草本之名，而律历四时，亦记其荣枯语默之候，所以绘事之妙，多寓兴于此，与诗人相表里焉。”历代花鸟画家辈出，如唐代薛稷的鹤、边鸾的孔雀、刁光胤的花竹；五代郭乾晖的鹰，黄筌、徐熙的花鸟；北宋赵昌的花、崔白的雀、吴元瑜的花鸟；南宋吴炳的折枝、林椿的花果、李迪的禽；元代李衎的竹、张守中的鸳鸯、王冕的梅；明代林良的禽，陈淳、徐渭的墨花；清代朱耷的鱼、恽寿平的荷、华喦的鸟；近代吴昌硕的花卉等，皆一代名手，绵延不绝。参见“四君子”。

『肆』 怎样快速学习素描

绘画20年，从央美毕业后一直从事素描基础教育。有不少关于素描基础的详细见解与认知，在此分享给所有喜欢画画的人。尤其是刚刚接触绘画的小白。希望我的分享能对你们有所帮助。

写这篇文章也是对我这些年来教学思路的一个总结：准备好流量，我将用大量的案例和事实讲明白素描基础到底应该怎么学，并且怎样才能学好。

既然要讲明白怎么学好素描基础，那么我们首先要弄清楚什么是素描基础？

可能每个人对素描的理解不一样，我就先分享一下我自己的理解吧。我认为绘画基础主要是两个问题：怎么看？怎么画？也就是观察思路和作画技巧。

那么我先从怎么画（作画技巧）开始讲

在讲素描怎么画之前，我想我们可以先来看看工笔和水墨的作画基础是什么？看看我们的祖先是如何理解绘画的。

在这幅工笔画里，我们可能会听到一个人说他是怎样去构图，怎样上颜色，怎样去描绘栩栩如生的动物。但是如果我们仔细的去看这幅画，我们就会发现该画家的功力体现在线条上，每一根羽毛，每一组毛发的边缘线都非常的清楚仔细。

而这些都是用一只非常小的毛笔一根一根画出来的。实际上这对笔墨的运用要求非常高。对线条控制非常讲究。

而上面这张国画它的美感主要来源于他对线条的控制。石头，天空和树枝的线条，笔触的感受都不一样。他纯粹地用线条的粗细，墨色的深浅，制造了不同的质感效果。

至于这一幅李苦禅的国画墨竹，则是完全用线条的排列，笔墨的深浅粗细控制来完成的大型绘画。

这三幅画都是以线条的功力为主的，你能想象如果线条控制得不好，不能够画出恰当的粗细深浅变化，这样的笔墨控制能画这些工笔画或者国画吗？

所以无一例外，学国画的人都得从线条开始练习。因为笔墨控制是最基础的基本功。

那么素描最基础的基础功是什么呢？

拉斐尔的素描手稿
在文艺复兴画圣拉斐尔的素描手稿上，我们可以看到肌肤的颜色是一根一根规整的线条组成的。身体的轮廓也是用线条勾勒的！

安格尔素描手稿
而在18世纪古典主义大师安格尔的素描手稿上，我们同样可以看见规整的排线，粗细变化微妙的人像轮廓线条。

不论国画还是素描，它们的基本表现语言都是线条

所以线条的控制就是我们学习素描的第一基本功啊！

我相信有很多同学在网上看教程，看绘画视频的时候总会感觉到困惑，明明好像看着老师是这样子画的，但是自己跟着一起画的时候就是画不出来。这是为什么呢？

我们会在教程里看到一个人，他是如何构图，如何上色如何安排颜色的深浅，但是我们很难了解示范者到底是怎样用力怎样发力去画线条的，我们也很难听到一个老师在上课的时候，仔细的说，他到底用了几分力道在画线条。而这才是我们真正要学的基本功。这也就是为什么，我们看着视频看着教程，跟着一起换，却总是画不出来的原因，因为我们没有这样的手头功夫。绘画，本质上是一种技艺。艺术是审美上的。技术是由手的力量控制的。

我们问一下自己有专门的为了素描练习过手的力量吗？如果不会控制力量，那么我们在学习素描之前，实际上是个绘画的残疾人。不管老师如何完整示范，我们如何努力地跟着视频去模仿，最后只能挫败地发现自己就是画不出来。

其实学书法的人入门时都会练习永字八法。关于这八法，各有各的解释，但要我来说，本质上是在练习毛笔的转向，力量的控制。用力大，墨色就会掉，只有用力均匀的时候，墨水才能完整的形成一个规则的痕迹。

所以无一例外，无论是国画还是书法，我们的老祖先早就认识到了，力量的控制，才是绘画技艺基本功中的基本功。它是描绘对象的前提条件。

我们每天拿着铅笔画素描，却没有真正的学习过，到底怎么用铅笔，到底怎么去画线条。如果没有我们的确没有练过，那么我们其实是没有基本功的。

在这幅香蕉里面，它的影子上面有很多排线，但都是凌乱的，我们会知道这个同学已经看到了颜色的深浅变化，但他画出来的效果却不尽如人意。

是他的观察不够仔细吗？不是。是影子的颜色，他画不均匀。他之所以画不均匀，就是因为它的线条控制的不够稳定，颜色不能很好的过渡，不能均匀的呈现色块，是力量控制的问题。

如果我们有真正的学习过关于线条的知识的话，我们就会明白，在素描里面是笔头的正侧角度使用决定了线条的粗细。

『伍』 杨育才的艺术特点

陈进轩
著名画家杨育才出生于牡丹之乡——山东菏泽，家乡的牡丹给了他丰厚的生活体验。他爱牡丹，画牡丹，常写生，多感悟，使他生发出新的观念，独创了“渍色牡丹”的绘画技法，别具一格地表现出牡丹的花形、花性、花情、花貌、花神。
一个画家能否有所成就，与他本人的精神、品格和文化内涵乃至传统功力等综合因素不无关系。杨育才是一位有创造力的艺术家，他精研画理，又善思辨，因此他的画才能在传统没骨画法的基础上，吸取西方绘画中印象派的色彩表现，并发挥水的作用，是牡丹在墨与色、色与色、水与墨、水与色的冲撞与互动中，再现牡丹花、叶、干的风情万种的变，使得他的作品焕发出一种永远鲜活的神采。
杨育才笔下的“渍色牡丹”，重“师法造化”，更重“中得心源”，早已经走出了传统意义的形神规范，而更具现代人的审美感受。他在牡丹的美丽中注入了他的功力与创造、内涵与想象，并赋予其崭新的时代精神。这一具有鲜明个性特征的表现方法，不同于古人，也不同于他人，无疑是画家心性、才气、乃至对艺术的真诚袒露。
谈渍色牡丹：
杨育才独创“渍色牡丹”，其作品富贵娇媚，意象生动，深刻绘就了千年牡丹蓬勃向上的气派与不屈不挠的精神。其渍色方法既继承了中国画写意之传统，又融入了西法绘形之精神，体现了牡丹的特征及色彩。
生于牡丹之乡的杨育才，牡丹给了他丰厚的生活体验。他爱牡丹,画牡丹,常写生,多感悟,使他生发出新的观念,独创了“渍色牡丹”的绘画技法,别具一格地表现出牡丹的花形、花性、花情、花貌、花神，自然而生动。“我期望艺术给人以自在充实的内在美，给人熠熠光明的憧憬，带给人以纯朴与善良。”画家如是说。
“独创渍色法，别开新生面；既可见笔墨，西法融其间；花叶不勾骨，更显色斑斓；雅俗共欣赏，观者都称赞；循此再努力，奇葩更鲜艳。”著名美术评论家邓福星评介说。
杨育才的渍色牡丹花不只是红色的，而且大多数是画成了淡绿色或者干脆用白色。他说牡丹是木本植物，完全可以长成参天大树，画牡丹不能只见花朵不见树。所谓木本就是要以木为本，不能舍本求末。他画的牡丹树枝苍劲老道、舒展有力、冲天豪放，看着画面就犹如走进遮天盖日的牡丹森林。他说自己画牡丹有自己独特的艺术追求，无论是构图还是色彩上都与众不同。构图上他追求一种大疏大密，松散有至，手法上他追求兼工带写，色彩上他追求朴素淡雅的艺术风格。他的渍色牡丹不拘泥于其形，却在枝叶上再现了牡丹的风骨，在形似之外赋予牡丹独秀精魂，用巧创的渍色装点渗透，使其形神超然，既在物中，又在物外，心神交融，丹灵精透，恰似月晕珠浸，又如贵妃微醉，直达飘然妙境。
其方法是先用大号羊毫笔将白色调稀，按照花的生长结构，画出花的形态；用小号狼毫笔着色，按花瓣的结构从花瓣根部冲注该色，让色自然流淌渗化，直至颜色完全沉渍于纸上；用小号狼毫笔着色点花蕊。然后根据画面的色调用花青加墨或纯墨，写出叶和嫩枝；用石绿色冲注至叶柄上，使色自然流淌渗化；用藤黄色或朱镖色冲注至叶柄受光部位，让色自然流淌渗化；将胭脂色注写至内枝上。最后用朱镖加墨或赭石加墨再加水稀释，用长锋兼毫笔，着饱色自上而下写之。
杨育才将大量笔墨用在了牡丹的树干上，画出了牡丹的别样风骨，他专从骨入枝，从神建蕊，以渍色状花魂，以汁色透纸壁；从大象中写大意，从质朴中写率真，从无言中开玄机，从寂寥中跃稚性，从而还原出浑然天成，高处亦胜寒。他不仅把牡丹当成参天大树来画，还画四季牡丹，画风雪中的牡丹。他说：“秋冬丹花，蕴春夏之气，藏风雨之华，敛天地之精，虽枝瘦而花肥，清香悠远；若秀女虽饱苦而倍富；虽历艰而贵无比！”
当然，也有人对他这种画法提出异议，甚至大为不喜欢。他说曾经有一位收藏家找到他要买他的牡丹图，他就给他推荐自己画的白色牡丹，那个收藏家摇头，又给他推荐淡绿色的，收藏家还是摇头，最后给他推荐紫红色的，他仍然摇着头走了。他说买牡丹图是为了送人的，送人给人送白牡丹让人想到送花圈不吉利。杨育才对于这种收藏迷信不屑一顾，他说我画牡丹是追求一种牡丹高贵的品质，不在乎是否带来多少利益，画家就是要以艺术为天。
一个画家能否有所成就，与他本人的精神、品格和文化内涵乃至传统功力等综合因素不无关系。杨育才是一位有创造力的艺术家，他精研画理，又善思辨，因此他的画才能在传统没骨画法的基础上，吸取西方绘画中印象派的色彩表现，并发挥水的作用，是牡丹在墨与色、色与色、水与墨、水与色的冲撞与互动中，再现牡丹花、叶、干的风情万种的变，使得他的作品焕发出一种永远鲜活的神采。
杨育才笔下的“渍色牡丹”，重“师法造化”，更重“中得心源”，早已经走出了传统意义的形神规范，而更具现代人的审美感受。他在牡丹的美丽中注入了他的功力与创造、内涵与想象，并赋予其崭新的时代精神。这一具有鲜明个性特征的表现方法，不同于古人，也不同于他人，无疑是画家心性、才气、乃至对艺术的真诚袒露。
杨育才就是在这样一种不理解甚至非议中，默默地画着自己的心中的参天牡丹！他三十多年如一日，不离不弃，牡丹相伴，构思孕育花魂，似飞岩击石，恰琼浆降露，动静两宜，张驰舒缓，点墨成影，生机昂然，用满腔热血精心浇灌着自己的牡丹园。有评论家说他的牡丹是“洞悉了玄机一隙，秉承了率性自然，专在那婉约婀娜中既存牡丹本真，又独创渍色奇笔，犹如朝霞染露，犹如霓裳滴珠，犹如妙春女子巧梳妆，犹如丰腴小妇卸粉黛，不尽的风情，难言的柔骨，脱俗的雅韵，出神的冰洁，顿时化作牡丹一朵，霭云一片。”
静观杨育才的渍色牡丹，飘摇中传达着生命的张力和坚韧，寄托着画家对生活的热爱和超然于物外的洒脱。有评论家说杨育才笔下的“渍色牡丹”是世界上最圣洁的牡丹，给人宁静，令人通达。相信不久的将来，他的渍色牡丹定会开出更加奔放绚丽的花朵。
杨育才先生论画墨竹：
在历史发展的长河中，竹子和人们的生活息息相关，中国的悠久文化历史和文明与竹子结下了不解之缘。人们早就赞誉中国是一个竹子文化的国家，据考证竹子在中国领土上就有39个属的500余竹种，可称是一个竹子王国。由于竹子具有四时常青，天寒不凋，凌风傲雪之特性，人们便以竹喻人，赋以“高风亮节”“坚贞不屈”之品质，“凌雪清拔””虚心向上”之美德，画家以不同的表现手法将竹子的精神用中国的笔墨，在中国特制的宣纸上抒发各自的性情和思想。所以画墨竹是中国画中的一门专科，它能给人们以生命力旺盛和美的享受，历代以墨竹而知名的画家很多，由于文人画的发展墨竹在元代颇为流行，自元代起擅长者高克恭、赵孟頫、管仲姬、赵琪、杨维翰、倪瓒、吴镇、顾安、吴瓘、王维、萧悦、文同、李衍、张逊、王绂、夏昶、石涛、郑板桥等诸大家无不都从爱竹开始，继而观竹画竹。
我画墨竹三十余年，回顾一下，深有所感，起初是因爱而画竹，陶冶情操，无名利之思，故以临传统的墨竹印刷作品为入门之道，掌握了一些用笔之法，理解了墨竹的枝叶结构和水墨运用的技法。要画好墨竹，必须在熟练运用笔墨水的基础上，到大自然中去观察去写生、去感受，带着感情将风情、烟雨、雪露中的不同变化注入脑海，融入胸中，使之产生创作灵感和抒发冲动，这时提笔急从之，运墨直遂，以迫其所见，然得佳作也。
板桥先生说：“胸中之竹，并不是眼中之竹，也不是手中之竹，又不是胸中之竹也“。
眼中之竹是客观生活中的自然生长的竹，胸中之竹是通过观竹而得的感受并加以提炼的竹，手中之竹是通过笔墨表达意象的竹，手中之竹可能与胸中之竹相结合，也可能不合，不合之时，就是要随机应变，即胸无成竹……,随着之挥毫弄墨信手写去自然成章，其行神意具足也，著名画家李衍先生说：”求一艺之精，信不易矣“，他强调画竹需深入观察生活，初学必守法度，久之可达于规矩笔墨之精，切忌信笔涂抹。要分析竹之品类及生长规律，深入浅出地论述画竹方法，李衍先生在《画竹谱》中论及画墨竹上谈到画竿五忌，即忌冲天撞地、偏重偏轻、对节排竿、鼓架胜眼、前枝后叶，画叶中的八忌四要，一忌似桃、二忌似柳、三忌孤生、四忌并立、五忌如叉、六忌如井、七忌如手指、八忌似蜻蜓。要翻正向背、转侧低昂、雨打风翻、各具姿态。笔墨的运用：笔墨技法是中国画技法的基础。一幅好的中国画，在表现技巧上要有笔有墨。所谓笔者，即骨法用笔，要落笔成形有神，这种用笔方法是指运用笔的轻重、疾徐、刚柔、虚实、顿挫、转折、匀衡等不同笔法变化，按照心灵的意图，以意运笔，意到笔到。笔落而形出，而神现。做到笔是形、是体、是质、是量、是空间、是神、是态、是情、是意…..。若意想写一幅墨竹来抒发愉快舒畅的情意，要用凝重干涩和飘洒轻松，圆润而富于弹性的笔墨，画出挺拔求劲，迎风取势的竿和挺秀婀娜、随风摇曳纸条、竹叶‘总之用笔更有意、有韵、有力、有趣，要稳、、要活、要狠、要准，方为骨法用笔，所谓“有墨“就是墨韵生动。昔人云：墨法之妙全自笔出，笔法之精全由墨现，墨者要有厚、润、净、活、骨、干、湿、枯、漓之感，方为有墨，用墨之本在于用水。以墨为形，以水为气，以水化墨，以水运墨，以水分干湿、浓淡、虚实等。就以墨的厚重之感为例：厚重之感并不是墨的浓淡所产生的，而是水墨在生宣纸上完全饱和的一种现象，浓墨能产生这种身后不浮薄的质量之感，就在于水墨显示在生宣纸上达到了完全饱和。以风雨中的墨竹为例：墨色虽不黑，但是给人的确实厚重之感，摇摇欲坠之势。故笔墨二者互为表里不可分，笔为里是骨干，墨为表是皮肉，笔重于墨，笔为帅，墨为从，墨气中见笔法，墨气始灵，笔法中见墨气，笔法始活。一幅好画精作，首先要看意境，即为灵魂。再论其笔墨，要笔精墨妙，使之感到形神毕现意境活出，令人动情，使作者本人也不能复制的作品，才是真正完美的作品、有价值的作品，即神品也！

『陆』 国画竹子入门简单教程

竹子入门画法如下：

行笔一抹而起即收笔，做到笔收意到。运笔不能太快，否则易飘、薄。

笔蘸墨汁逆锋起笔，按笔铺毫，笔力渐用于叶中部。

国画中的竹常以水墨表现竹的形象与气韵，墨竹画在写意花鸟画中占有重要位置，其笔墨特征是以书入画、骨法用笔，画竹要“成竹在胸”，才能在运笔用墨时挥洒自如，表现出竹的神韵与气节。

竹叶是整幅作品的主要部分，按叶的组合式大致为“个”字、“分”字、“川”字、“双人”字等，然而每丛竹叶的组合又由每个叶的组合形式积叠组合而成。

立竿发枝要有上仰奋发的精神，挺立生动，勾节要凝稳。竹叶与枝的组合，发枝生叶，贵在随机生发，叶叶附枝，可参用仰叶、俯叶基本生发式合理组合、并根据画面取裁，或增添、转折、向背，各有姿态。

作画时笔蘸清水，再蘸浓墨，用写意法落笔，充分发挥笔头中含的浓、淡墨，浓淡竹叶墨色相互渗化，达到水墨淋漓，痛快酣畅的感觉。

立竿分主次，浓淡分前后，按叶也前浓后淡，叶口上扬，交叠自然，使竹宁静、清逸、傲立。注意前后布叶要密、疏呼应，画面有轻松、爽朗的感觉。

『柒』 我想学国画，怎么入门

学国画入门可以先从临摹开始，同时兼学素描写生以提高造型能力。

国画一词起源于汉代，汉朝人认为中国是居天地之中者，所以称为中国，将中国的绘画称为“中国画”，简称“国画”。主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。国画是汉族的传统绘画形式，是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分具象和写意。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认知。

临摹前最好看一些相关的工具书，如怎样画国画等入门教材，置备好工具材料。

临摹国画先选择自己特别喜欢的名家作品，最好是简单一些的古代画作。简单一些的在于易见成就，鼓舞信心。名家作品一般在构图、布局、运笔上千锤百炼，多临摹是通过多次实践以领悟，达到熟能生巧的目的。仿佛读唐诗，熟读唐诗三百首，不会作诗也会吟。
选择的作品要判断它是工笔画还是写意画，一般建议小写意，运笔、水分容易控制。
然后根据作品选择相应的笔与宣纸。

临摹好的作品挂在墙上自己多看，对照原作找毛病。
觉得还可以就让周围的人评论一下，大家认为还可以就可以到专业网站求教了，现在热心人不少，一定会有所收益的。

如果能进入专门的培训班也是一条比较好的学习途径与环境。

『捌』 国画竹子画法技法教程

国画竹子画法技法有写竿法、写节法、写枝法、写笋法、写叶法等技法，其教程如下：

一、写竿法：

墨竹写竿，要选较硬的兰竹笔为宜。运笔要有起、行、收的过程。行笔不可太慢，亦不可太快。中锋行笔，可先下而上，亦可先上而下，初短后长，节节相承，笔意贯通，至稍渐短渐细。

画两竿竹或两竿以上时要注意：一是忌平行，竹节要错开；二是交叉忌垂直，更忌多竿交于一点；三是一般情况下画竹要求弯节不弯竿，但亦不可太直，太直则僵，要有一定弧度，才能表现出竹竿的弹性；四是多竿竹时要注意浓淡虚实的变化。

写叶要有大小、长短、肥瘦、正侧、俯仰、浓淡等变化。老叶、枯枝多下垂，用宜枯；新叶、嫩叶多上扬，用笔宜湿；正叶宜画宽，侧叶宜画窄，前叶宜浓，后叶宜淡。

天气不同，叶的姿态亦不同。晴天之叶劲拔爽利，四面生发；风起之时则临风飘举，因风取势；下雨时虚心低首，苍翠欲滴；雪压时则拥雪摇曳，欲扬先抑。

写叶之最要紧处在疏密变化，古人总结为“疏可走马，密不透风”。画者要多到竹丛前观察，特别是逆光时观察，最易体会竹叶的疏密变化。

写叶常见弊病有：交叉如“义”、如“井”、如手掌等。画叶不可太宽，太宽则如桃；不可太细，太细则如柳。

『玖』 如何学习花鸟画

学写意花鸟画要想入门：

首先，最好是先寻找书画基础培训班上上课！

其次，学些基本笔法、墨法、水法、技法、技巧、用色、配色、立意、构图、章法、布局、款识，等基础知识。

第三，在掌握一定的技能后再学习一些特殊技法，如：加盐破墨法，加矾，加碱、加肥皂水，加洗涤灵、加一些可溶性材料等等的特殊效果方法。

第四，初学临摹时，先去画店或书店选一些你觉得最容易找到感觉的，最能和你产生共鸣的优秀范本画集，但不要过于繁琐，要简洁明快，用笔用墨大胆而又不失于法度的大家之作，作为你的摹本由浅入深，由简到繁，循序渐进，不断加深，逐渐递进。

第五，要想提高的快，最好多参加笔会，多结交画友，多结识书画家，结交书画高手，书画名家，书画行家，书画大家，书画大师，再多参观书画展览等等，相信不久的将来，你也一定成为书画行家和高手的。

第六，选择行家，专家，名家，大家，大师，拜师学艺，多加指导，点拨，提升，然后创作，继承中发展自己的个性、特性、创造性。

最后与之你早日学成，成功！