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『壹』 新人學畫畫都有哪些坑

新手在學習一些東西的時候，難免會走一些彎路，這些彎路有可能成為我們的致命傷，最終讓我們停止前進的步伐。所以在學習任何新東西之前，去了解一些我們可能掉進的坑，對我們以後的學習一定有很大幫助。

當然繪畫這件事情也不例外，很多小白初期學繪畫都會條件很多坑，那麼到底有哪些坑呢？

如果一個人，學習繪畫一年，但是他中間停頓了好久，停頓三個月繪畫一次，停頓三個月會換一次，那麼到年底的時候，他是不是和年初是一樣的呢？所以我們在繪畫初期要保持一個持續的輸出，不斷的強化自己的肌肉記憶，那樣我們學到的技能才不至於輕易忘記。

最後總結一下，在繪畫初期我們要給自己制定一個有彈性的目標，不要因為目標太高而放棄，在繪畫過程中要不斷的去向高人請教，那樣才能少走彎路，最後要保持一個持續的輸出，否則我們的繪畫技能很難提高。

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『貳』 怎麼畫國畫急急急！！！

國畫 分為寫意 工筆 工筆就是細致、認真、有耐心、我感覺主要是臨摹知道相關的知識就能畫的還可以。 寫意就是靠感覺 靠積累了 如齊白石的畫 畫出來形 神 。不好畫 要多加練習。多看相關書最好有老師指點。說起來有點麻煩

這個要簡單點

『叄』 初學中國畫怎樣畫

◆ 水墨畫

中國畫的一種。指純用水墨所作之畫。基本要素有三：單純性、象徵性、自然性。相傳始於唐代，成於五代，盛於宋元，明清及近代以來續有發展。以筆法為主導，充分發揮墨法的功能。「墨即是色」，指墨的濃淡變化就是色的層次變化，「墨分五彩」，指色彩繽紛可以用多層次的水墨色度代替之。北宋沈括《圖畫歌》雲：「江南董源傳巨然，淡墨輕嵐為一體。」就是說的水墨畫。唐宋人畫山水多濕筆，出現「水暈墨章」之效，元人始用干筆，墨色更多變化，有「如兼五彩」的藝術效果。唐代王維對畫體提出「水墨為上」，後人宗之。長期以來水墨畫在中國繪畫史上占著重要地位。

◆ 院體畫

簡稱「院體」、「院畫」，中國畫的一種。一般指宋代翰林圖畫院及其後宮廷畫家比較工緻一路的繪畫。亦有專指南宋畫院作品，或泛指非宮廷畫家而效法南宋畫院風格之作。這類作品為迎合帝王宮廷需要，多以花鳥、山水，宮廷生活及宗教內容為題材，作畫講究法度，重視形神兼備，風格華麗細膩。因時代好尚和畫家擅長有異，故畫風不盡相同而各具特點。魯迅說：「宋的院畫，萎靡柔媚之處當舍，周密不苟之處是可取的。」（《且介亭雜文·論「舊形式的採用」》）

◆ 文人畫

亦稱「士夫畫」。中國畫的一種。泛指中國封建社會中文人、士大夫所作之畫。以別於民間畫工和宮廷畫院職業畫家的繪畫，北宋蘇軾提出「士夫畫」，明代董其昌稱道「文人之畫」，以唐代王維為其創始者，並目為南宗之祖（參見「南北宗」）。但舊時也往往藉以抬高士大夫階層的繪畫藝術，鄙視民間畫工及院體畫家。唐代張彥遠在《歷代名畫記》曾說：「自古善畫者，莫非衣冠貴胄，逸士高人，非閭閻之所能為也。」此說影響甚久。近代陳衡恪則認為「文人畫有四個要素：人品、學問、才情和思想，具此四者，乃能完善。」通常「文人畫」多取材於山水、花鳥、梅蘭竹菊和木石等，藉以發抒「性靈」或個人抱負，間亦寓有對民族壓迫或對腐朽政治的憤懣之情。他們標舉「士氣」、「逸品」，崇尚品藻，講求筆墨情趣，脫略形似，強調神韻，很重視文學、書法修養和畫中意境的締造。姚茫父的《中國文人畫之研究·序》曾有很高的品評：「唐王右丞（維）援詩入畫，然後趣由筆生，法隨意轉，言不必宮商而邱山皆韻，義不必比興而草木成吟。」歷代文人畫對中國畫的美學思想以及對水墨、寫意畫等技法的發展，都有相當大的影響。

◆ 畫分十門

中國畫名詞。中國畫的分科，唐代張彥遠《歷代名畫記》分六門，即人物、屋宇、山水、鞍馬、鬼神、花鳥等。北宋《宣和畫譜》分十門，即道釋門、人物門、宮室門、番族門、龍魚門、山水門、畜獸門、花鳥門、墨竹門、蔬菜門等。南宋鄧椿《畫繼》分八類（門），即仙佛鬼神、人物傳寫、山水林石、花竹翎毛、畜獸蟲魚、屋木舟車、蔬果葯草、小景雜畫等。參見「十三科」。

◆ 十三科

中國畫術語。中國畫的分科，唐代張彥遠《歷代名畫記》分為六門；北宋《宣和畫譜》分為十門；南宋鄧椿《畫繼》分為八類。元代湯垕《畫鑒》說：「世俗立畫家十三科，山水打頭，界畫打底。」明代陶宗儀《輟耕錄》所載「畫家十三科」是：「佛菩薩相、玉帝君王道相、金剛鬼神羅漢聖僧、風雲龍虎、宿世人物、全境山林、花竹翎毛、野騾走獸、人間動用、界畫樓台、一切傍生、耕種機織、雕青嵌綠。」

◆ 人物畫

繪畫的一種。以人物形象為主體的繪畫之通稱。中國的人物畫，簡稱「人物」，是中國畫中的一大畫科，出現較山水畫、花鳥畫等為早；大體分為道釋畫、仕女畫、肖像畫、風俗畫、歷史故事畫等。人物畫力求人物個性刻畫得逼真傳神，氣韻生動、形神兼備。其傳神之法，常把對人物性格的表現，寓於環境、氣氛、身段和動態的渲染之中。故中國畫論上又稱人物畫為「傳神」。歷代著名人物畫有東晉顧愷之的《洛神賦圖》卷，唐代韓滉的《文苑圖》，五代南唐顧閎中的《韓熙載夜宴圖》，北宋李公麟的《維摩詰像》，南宋李唐的《採薇圖》、梁楷的《李白行吟圖》，元代王繹的《楊竹西小像》，明代仇英的《列女圖》卷、曾鯨的《侯峒嶒像》，清代任伯年的《高邕之像》，以及現代徐悲鴻的《泰戈爾像》等。在現代，更強調「師法化」，還吸取了西洋技法，在造型和布色上有所發展。

◆ 山水畫

簡稱「山水」。中國畫的一種。描寫山川自然景色為主體的繪畫。在魏晉、南北朝已逐漸發展，但仍附屬於人物畫，作為背景的居多；隋唐始獨立，如展子虔的設色山水，李思訓的金碧山水，王維的水墨山水，王洽的潑墨山水等；五代、北宋山水畫大興，作者紛起，如荊浩、關仝、李成、董源、巨然、范寬、許道寧、燕文貴、宋迪、王詵、米芾、米友仁的水墨山水，王希孟、趙伯駒、趙伯驌的青綠山水，南北競輝，達到高峰。從此成為中國畫中的一大畫科；元代山水畫趨向寫意，以虛帶實，側重筆墨神韻，開創新風；明清及近代，續有發展，亦出新貌。表現上講究經營位置和表達意境。傳統分法有水墨、青綠、金碧、沒骨、淺絳、淡彩等形式。

◆ 青綠山水

山水畫的一種。用礦物質石青、石綠作為主色的山水畫。有大青綠、小青綠之分。前者多鉤廓，少皴筆，著色濃重，裝飾性強；後者是在水墨淡彩的基礎上薄罩青綠。清代張庚說：「畫，繪事也，古來無不設色，且多青綠。」元代湯垕說：「李思訓著色山水，用金碧輝映，自為一家法。」南宋有二趙（伯駒、伯驌），以擅作青綠山水著稱。中國的山水畫，先有設色，後有水墨。設色畫中先有重色，後來才有淡彩。

◆ 淺絳山水

山水畫的一種。在水墨鉤勒皴染的基礎上，敷設以赭石為主色的淡彩山水畫。《芥子園畫傳》說：「黃公望皴，仿虞山石面，色善用赭石，淺淺施之，有時再以赭筆鉤出大概。王蒙復以赭石和藤黃著山水，其山頭喜蓬蓬鬆鬆畫草，再以赭色鈞出，時而竟不著色，只以赭石著山水中人面及松皮而已。」這種設色特點，始於五代董源，盛於元代黃公望，亦稱「吳裝」山水。

◆ 金碧

中國畫顏料中的泥金、石青和石綠。凡用這三種顏料作為主色的山水畫，稱「金碧山水」，比「青綠山水」多泥金一色。泥金一般用於鉤染山廓、石紋、坡腳、沙嘴、彩霞，以及宮室、樓閣等建築物。但明代唐志契《繪事微言》中另持一說：「蓋金碧者：石青石綠也，即青綠山水之謂也。後人不察，加以泥金謂之金筆山水，夫以金碧之名而易以金筆之名可笑也！」

◆ 青綠

中國畫顏料中的石青和石綠。也指以這兩種顏料為主色的著色方法。清代王翚說：「凡設青綠，體要嚴重，氣要輕清，得力全在渲暈，余於青綠法靜悟三十年，始盡其妙。」（《清暉畫跋》）惲壽平也說：「青綠重色，為厚易，為淺淡難，為淺澹矣，而愈見穠厚為尤難。……運以虛和，出之妍雅，穠纖得中，靈氣惝恍，愈淺淡愈見穠厚，所謂絢爛之極，仍歸自然，畫法之一變也。」（《甌香館畫跋》）闡述了青綠設色的要旨。參見「青綠山水」。

◆ 花鳥畫

中國畫的一種。北宋《宣和畫譜．花鳥敘論》雲：「詩人六義，多識於鳥獸草本之名，而律歷四時，亦記其榮枯語默之候，所以繪事之妙，多寓興於此，與詩人相表裡焉。」歷代花鳥畫家輩出，如唐代薛稷的鶴、邊鸞的孔雀、刁光胤的花竹；五代郭乾暉的鷹，黃筌、徐熙的花鳥；北宋趙昌的花、崔白的雀、吳元瑜的花鳥；南宋吳炳的折枝、林椿的花果、李迪的禽；元代李衎的竹、張守中的鴛鴦、王冕的梅；明代林良的禽，陳淳、徐渭的墨花；清代朱耷的魚、惲壽平的荷、華喦的鳥；近代吳昌碩的花卉等，皆一代名手，綿延不絕。參見「四君子」。

『肆』 怎樣快速學習素描

繪畫20年，從央美畢業後一直從事素描基礎教育。有不少關於素描基礎的詳細見解與認知，在此分享給所有喜歡畫畫的人。尤其是剛剛接觸繪畫的小白。希望我的分享能對你們有所幫助。

寫這篇文章也是對我這些年來教學思路的一個總結：准備好流量，我將用大量的案例和事實講明白素描基礎到底應該怎麼學，並且怎樣才能學好。

既然要講明白怎麼學好素描基礎，那麼我們首先要弄清楚什麼是素描基礎？

可能每個人對素描的理解不一樣，我就先分享一下我自己的理解吧。我認為繪畫基礎主要是兩個問題：怎麼看？怎麼畫？也就是觀察思路和作畫技巧。

那麼我先從怎麼畫（作畫技巧）開始講

在講素描怎麼畫之前，我想我們可以先來看看工筆和水墨的作畫基礎是什麼？看看我們的祖先是如何理解繪畫的。

在這幅工筆畫里，我們可能會聽到一個人說他是怎樣去構圖，怎樣上顏色，怎樣去描繪栩栩如生的動物。但是如果我們仔細的去看這幅畫，我們就會發現該畫家的功力體現在線條上，每一根羽毛，每一組毛發的邊緣線都非常的清楚仔細。

而這些都是用一隻非常小的毛筆一根一根畫出來的。實際上這對筆墨的運用要求非常高。對線條控制非常講究。

而上面這張國畫它的美感主要來源於他對線條的控制。石頭，天空和樹枝的線條，筆觸的感受都不一樣。他純粹地用線條的粗細，墨色的深淺，製造了不同的質感效果。

至於這一幅李苦禪的國畫墨竹，則是完全用線條的排列，筆墨的深淺粗細控制來完成的大型繪畫。

這三幅畫都是以線條的功力為主的，你能想像如果線條控製得不好，不能夠畫出恰當的粗細深淺變化，這樣的筆墨控制能畫這些工筆畫或者國畫嗎？

所以無一例外，學國畫的人都得從線條開始練習。因為筆墨控制是最基礎的基本功。

那麼素描最基礎的基礎功是什麼呢？

拉斐爾的素描手稿
在文藝復興畫聖拉斐爾的素描手稿上，我們可以看到肌膚的顏色是一根一根規整的線條組成的。身體的輪廓也是用線條勾勒的！

安格爾素描手稿
而在18世紀古典主義大師安格爾的素描手稿上，我們同樣可以看見規整的排線，粗細變化微妙的人像輪廓線條。

不論國畫還是素描，它們的基本表現語言都是線條

所以線條的控制就是我們學習素描的第一基本功啊！

我相信有很多同學在網上看教程，看繪畫視頻的時候總會感覺到困惑，明明好像看著老師是這樣子畫的，但是自己跟著一起畫的時候就是畫不出來。這是為什麼呢？

我們會在教程里看到一個人，他是如何構圖，如何上色如何安排顏色的深淺，但是我們很難了解示範者到底是怎樣用力怎樣發力去畫線條的，我們也很難聽到一個老師在上課的時候，仔細的說，他到底用了幾分力道在畫線條。而這才是我們真正要學的基本功。這也就是為什麼，我們看著視頻看著教程，跟著一起換，卻總是畫不出來的原因，因為我們沒有這樣的手頭功夫。繪畫，本質上是一種技藝。藝術是審美上的。技術是由手的力量控制的。

我們問一下自己有專門的為了素描練習過手的力量嗎？如果不會控制力量，那麼我們在學習素描之前，實際上是個繪畫的殘疾人。不管老師如何完整示範，我們如何努力地跟著視頻去模仿，最後只能挫敗地發現自己就是畫不出來。

其實學書法的人入門時都會練習永字八法。關於這八法，各有各的解釋，但要我來說，本質上是在練習毛筆的轉向，力量的控制。用力大，墨色就會掉，只有用力均勻的時候，墨水才能完整的形成一個規則的痕跡。

所以無一例外，無論是國畫還是書法，我們的老祖先早就認識到了，力量的控制，才是繪畫技藝基本功中的基本功。它是描繪對象的前提條件。

我們每天拿著鉛筆畫素描，卻沒有真正的學習過，到底怎麼用鉛筆，到底怎麼去畫線條。如果沒有我們的確沒有練過，那麼我們其實是沒有基本功的。

在這幅香蕉裡面，它的影子上面有很多排線，但都是凌亂的，我們會知道這個同學已經看到了顏色的深淺變化，但他畫出來的效果卻不盡如人意。

是他的觀察不夠仔細嗎？不是。是影子的顏色，他畫不均勻。他之所以畫不均勻，就是因為它的線條控制的不夠穩定，顏色不能很好的過渡，不能均勻的呈現色塊，是力量控制的問題。

如果我們有真正的學習過關於線條的知識的話，我們就會明白，在素描裡面是筆頭的正側角度使用決定了線條的粗細。

『伍』 楊育才的藝術特點

陳進軒
著名畫家楊育才出生於牡丹之鄉——山東菏澤，家鄉的牡丹給了他豐厚的生活體驗。他愛牡丹，畫牡丹，常寫生，多感悟，使他生發出新的觀念，獨創了「漬色牡丹」的繪畫技法，別具一格地表現出牡丹的花形、花性、花情、花貌、花神。
一個畫家能否有所成就，與他本人的精神、品格和文化內涵乃至傳統功力等綜合因素不無關系。楊育才是一位有創造力的藝術家，他精研畫理，又善思辨，因此他的畫才能在傳統沒骨畫法的基礎上，吸取西方繪畫中印象派的色彩表現，並發揮水的作用，是牡丹在墨與色、色與色、水與墨、水與色的沖撞與互動中，再現牡丹花、葉、乾的風情萬種的變，使得他的作品煥發出一種永遠鮮活的神采。
楊育才筆下的「漬色牡丹」，重「師法造化」，更重「中得心源」，早已經走出了傳統意義的形神規范，而更具現代人的審美感受。他在牡丹的美麗中注入了他的功力與創造、內涵與想像，並賦予其嶄新的時代精神。這一具有鮮明個性特徵的表現方法，不同於古人，也不同於他人，無疑是畫家心性、才氣、乃至對藝術的真誠袒露。
談漬色牡丹：
楊育才獨創「漬色牡丹」，其作品富貴嬌媚，意象生動，深刻繪就了千年牡丹蓬勃向上的氣派與不屈不撓的精神。其漬色方法既繼承了中國畫寫意之傳統，又融入了西法繪形之精神，體現了牡丹的特徵及色彩。
生於牡丹之鄉的楊育才，牡丹給了他豐厚的生活體驗。他愛牡丹,畫牡丹,常寫生,多感悟,使他生發出新的觀念,獨創了「漬色牡丹」的繪畫技法,別具一格地表現出牡丹的花形、花性、花情、花貌、花神，自然而生動。「我期望藝術給人以自在充實的內在美，給人熠熠光明的憧憬，帶給人以純朴與善良。」畫家如是說。
「獨創漬色法，別開新生面；既可見筆墨，西法融其間；花葉不勾骨，更顯色斑斕；雅俗共欣賞，觀者都稱贊；循此再努力，奇葩更鮮艷。」著名美術評論家鄧福星評介說。
楊育才的漬色牡丹花不只是紅色的，而且大多數是畫成了淡綠色或者乾脆用白色。他說牡丹是木本植物，完全可以長成參天大樹，畫牡丹不能只見花朵不見樹。所謂木本就是要以木為本，不能舍本求末。他畫的牡丹樹枝蒼勁老道、舒展有力、沖天豪放，看著畫面就猶如走進遮天蓋日的牡丹森林。他說自己畫牡丹有自己獨特的藝術追求，無論是構圖還是色彩上都與眾不同。構圖上他追求一種大疏大密，鬆散有至，手法上他追求兼工帶寫，色彩上他追求樸素淡雅的藝術風格。他的漬色牡丹不拘泥於其形，卻在枝葉上再現了牡丹的風骨，在形似之外賦予牡丹獨秀精魂，用巧創的漬色裝點滲透，使其形神超然，既在物中，又在物外，心神交融，丹靈精透，恰似月暈珠浸，又如貴妃微醉，直達飄然妙境。
其方法是先用大號羊毫筆將白色調稀，按照花的生長結構，畫出花的形態；用小號狼毫筆著色，按花瓣的結構從花瓣根部沖注該色，讓色自然流淌滲化，直至顏色完全沉漬於紙上；用小號狼毫筆著色點花蕊。然後根據畫面的色調用花青加墨或純墨，寫出葉和嫩枝；用石綠色沖注至葉柄上，使色自然流淌滲化；用藤黃色或朱鏢色沖注至葉柄受光部位，讓色自然流淌滲化；將胭脂色注寫至內枝上。最後用朱鏢加墨或赭石加墨再加水稀釋，用長鋒兼毫筆，著飽色自上而下寫之。
楊育才將大量筆墨用在了牡丹的樹幹上，畫出了牡丹的別樣風骨，他專從骨入枝，從神建蕊，以漬色狀花魂，以汁色透紙壁；從大象中寫大意，從質朴中寫率真，從無言中開玄機，從寂寥中躍稚性，從而還原出渾然天成，高處亦勝寒。他不僅把牡丹當成參天大樹來畫，還畫四季牡丹，畫風雪中的牡丹。他說：「秋冬丹花，蘊春夏之氣，藏風雨之華，斂天地之精，雖枝瘦而花肥，清香悠遠；若秀女雖飽苦而倍富；雖歷艱而貴無比！」
當然，也有人對他這種畫法提出異議，甚至大為不喜歡。他說曾經有一位收藏家找到他要買他的牡丹圖，他就給他推薦自己畫的白色牡丹，那個收藏家搖頭，又給他推薦淡綠色的，收藏家還是搖頭，最後給他推薦紫紅色的，他仍然搖著頭走了。他說買牡丹圖是為了送人的，送人給人送白牡丹讓人想到送花圈不吉利。楊育才對於這種收藏迷信不屑一顧，他說我畫牡丹是追求一種牡丹高貴的品質，不在乎是否帶來多少利益，畫家就是要以藝術為天。
一個畫家能否有所成就，與他本人的精神、品格和文化內涵乃至傳統功力等綜合因素不無關系。楊育才是一位有創造力的藝術家，他精研畫理，又善思辨，因此他的畫才能在傳統沒骨畫法的基礎上，吸取西方繪畫中印象派的色彩表現，並發揮水的作用，是牡丹在墨與色、色與色、水與墨、水與色的沖撞與互動中，再現牡丹花、葉、乾的風情萬種的變，使得他的作品煥發出一種永遠鮮活的神采。
楊育才筆下的「漬色牡丹」，重「師法造化」，更重「中得心源」，早已經走出了傳統意義的形神規范，而更具現代人的審美感受。他在牡丹的美麗中注入了他的功力與創造、內涵與想像，並賦予其嶄新的時代精神。這一具有鮮明個性特徵的表現方法，不同於古人，也不同於他人，無疑是畫家心性、才氣、乃至對藝術的真誠袒露。
楊育才就是在這樣一種不理解甚至非議中，默默地畫著自己的心中的參天牡丹！他三十多年如一日，不離不棄，牡丹相伴，構思孕育花魂，似飛岩擊石，恰瓊漿降露，動靜兩宜，張馳舒緩，點墨成影，生機昂然，用滿腔熱血精心澆灌著自己的牡丹園。有評論家說他的牡丹是「洞悉了玄機一隙，秉承了率性自然，專在那婉約婀娜中既存牡丹本真，又獨創漬色奇筆，猶如朝霞染露，猶如霓裳滴珠，猶如妙春女子巧梳妝，猶如豐腴小婦卸粉黛，不盡的風情，難言的柔骨，脫俗的雅韻，出神的冰潔，頓時化作牡丹一朵，靄雲一片。」
靜觀楊育才的漬色牡丹，飄搖中傳達著生命的張力和堅韌，寄託著畫家對生活的熱愛和超然於物外的灑脫。有評論家說楊育才筆下的「漬色牡丹」是世界上最聖潔的牡丹，給人寧靜，令人通達。相信不久的將來，他的漬色牡丹定會開出更加奔放絢麗的花朵。
楊育才先生論畫墨竹：
在歷史發展的長河中，竹子和人們的生活息息相關，中國的悠久文化歷史和文明與竹子結下了不解之緣。人們早就贊譽中國是一個竹子文化的國家，據考證竹子在中國領土上就有39個屬的500餘竹種，可稱是一個竹子王國。由於竹子具有四時常青，天寒不凋，凌風傲雪之特性，人們便以竹喻人，賦以「高風亮節」「堅貞不屈」之品質，「凌雪清拔」」虛心向上」之美德，畫家以不同的表現手法將竹子的精神用中國的筆墨，在中國特製的宣紙上抒發各自的性情和思想。所以畫墨竹是中國畫中的一門專科，它能給人們以生命力旺盛和美的享受，歷代以墨竹而知名的畫家很多，由於文人畫的發展墨竹在元代頗為流行，自元代起擅長者高克恭、趙孟頫、管仲姬、趙琪、楊維翰、倪瓚、吳鎮、顧安、吳瓘、王維、蕭悅、文同、李衍、張遜、王紱、夏昶、石濤、鄭板橋等諸大家無不都從愛竹開始，繼而觀竹畫竹。
我畫墨竹三十餘年，回顧一下，深有所感，起初是因愛而畫竹，陶冶情操，無名利之思，故以臨傳統的墨竹印刷作品為入門之道，掌握了一些用筆之法，理解了墨竹的枝葉結構和水墨運用的技法。要畫好墨竹，必須在熟練運用筆墨水的基礎上，到大自然中去觀察去寫生、去感受，帶著感情將風情、煙雨、雪露中的不同變化注入腦海，融入胸中，使之產生創作靈感和抒發沖動，這時提筆急從之，運墨直遂，以迫其所見，然得佳作也。
板橋先生說：「胸中之竹，並不是眼中之竹，也不是手中之竹，又不是胸中之竹也「。
眼中之竹是客觀生活中的自然生長的竹，胸中之竹是通過觀竹而得的感受並加以提煉的竹，手中之竹是通過筆墨表達意象的竹，手中之竹可能與胸中之竹相結合，也可能不合，不合之時，就是要隨機應變，即胸無成竹……,隨著之揮毫弄墨信手寫去自然成章，其行神意具足也，著名畫家李衍先生說：」求一藝之精，信不易矣「，他強調畫竹需深入觀察生活，初學必守法度，久之可達於規矩筆墨之精，切忌信筆塗抹。要分析竹之品類及生長規律，深入淺出地論述畫竹方法，李衍先生在《畫竹譜》中論及畫墨竹上談到畫竿五忌，即忌沖天撞地、偏重偏輕、對節排竿、鼓架勝眼、前枝後葉，畫葉中的八忌四要，一忌似桃、二忌似柳、三忌孤生、四忌並立、五忌如叉、六忌如井、七忌如手指、八忌似蜻蜓。要翻正向背、轉側低昂、雨打風翻、各具姿態。筆墨的運用：筆墨技法是中國畫技法的基礎。一幅好的中國畫，在表現技巧上要有筆有墨。所謂筆者，即骨法用筆，要落筆成形有神，這種用筆方法是指運用筆的輕重、疾徐、剛柔、虛實、頓挫、轉折、勻衡等不同筆法變化，按照心靈的意圖，以意運筆，意到筆到。筆落而形出，而神現。做到筆是形、是體、是質、是量、是空間、是神、是態、是情、是意…..。若意想寫一幅墨竹來抒發愉快舒暢的情意，要用凝重干澀和飄灑輕松，圓潤而富於彈性的筆墨，畫出挺拔求勁，迎風取勢的竿和挺秀婀娜、隨風搖曳紙條、竹葉『總之用筆更有意、有韻、有力、有趣，要穩、、要活、要狠、要准，方為骨法用筆，所謂「有墨「就是墨韻生動。昔人雲：墨法之妙全自筆出，筆法之精全由墨現，墨者要有厚、潤、凈、活、骨、干、濕、枯、漓之感，方為有墨，用墨之本在於用水。以墨為形，以水為氣，以水化墨，以水運墨，以水分干濕、濃淡、虛實等。就以墨的厚重之感為例：厚重之感並不是墨的濃淡所產生的，而是水墨在生宣紙上完全飽和的一種現象，濃墨能產生這種身後不浮薄的質量之感，就在於水墨顯示在生宣紙上達到了完全飽和。以風雨中的墨竹為例：墨色雖不黑，但是給人的確實厚重之感，搖搖欲墜之勢。故筆墨二者互為表裡不可分，筆為里是骨幹，墨為表是皮肉，筆重於墨，筆為帥，墨為從，墨氣中見筆法，墨氣始靈，筆法中見墨氣，筆法始活。一幅好畫精作，首先要看意境，即為靈魂。再論其筆墨，要筆精墨妙，使之感到形神畢現意境活出，令人動情，使作者本人也不能復制的作品，才是真正完美的作品、有價值的作品，即神品也！

『陸』 國畫竹子入門簡單教程

竹子入門畫法如下：

行筆一抹而起即收筆，做到筆收意到。運筆不能太快，否則易飄、薄。

筆蘸墨汁逆鋒起筆，按筆鋪毫，筆力漸用於葉中部。

國畫中的竹常以水墨表現竹的形象與氣韻，墨竹畫在寫意花鳥畫中佔有重要位置，其筆墨特徵是以書入畫、骨法用筆，畫竹要「成竹在胸」，才能在運筆用墨時揮灑自如，表現出竹的神韻與氣節。

竹葉是整幅作品的主要部分，按葉的組合式大致為「個」字、「分」字、「川」字、「雙人」字等，然而每叢竹葉的組合又由每個葉的組合形式積疊組合而成。

立竿發枝要有上仰奮發的精神，挺立生動，勾節要凝穩。竹葉與枝的組合，發枝生葉，貴在隨機生發，葉葉附枝，可參用仰葉、俯葉基本生發式合理組合、並根據畫面取裁，或增添、轉折、向背，各有姿態。

作畫時筆蘸清水，再蘸濃墨，用寫意法落筆，充分發揮筆頭中含的濃、淡墨，濃淡竹葉墨色相互滲化，達到水墨淋漓，痛快酣暢的感覺。

立竿分主次，濃淡分前後，按葉也前濃後淡，葉口上揚，交疊自然，使竹寧靜、清逸、傲立。注意前後布葉要密、疏呼應，畫面有輕松、爽朗的感覺。

『柒』 我想學國畫，怎麼入門

學國畫入門可以先從臨摹開始，同時兼學素描寫生以提高造型能力。

國畫一詞起源於漢代，漢朝人認為中國是居天地之中者，所以稱為中國，將中國的繪畫稱為「中國畫」，簡稱「國畫」。主要指的是畫在絹、宣紙、帛上並加以裝裱的卷軸畫。國畫是漢族的傳統繪畫形式，是用毛筆蘸水、墨、彩作畫於絹或紙上。工具和材料有毛筆、墨、國畫顏料、宣紙、絹等，題材可分人物、山水、花鳥等，技法可分具象和寫意。中國畫在內容和藝術創作上，體現了古人對自然、社會及與之相關聯的政治、哲學、宗教、道德、文藝等方面的認知。

臨摹前最好看一些相關的工具書，如怎樣畫國畫等入門教材，置備好工具材料。

臨摹國畫先選擇自己特別喜歡的名家作品，最好是簡單一些的古代畫作。簡單一些的在於易見成就，鼓舞信心。名家作品一般在構圖、布局、運筆上千錘百煉，多臨摹是通過多次實踐以領悟，達到熟能生巧的目的。彷彿讀唐詩，熟讀唐詩三百首，不會作詩也會吟。
選擇的作品要判斷它是工筆畫還是寫意畫，一般建議小寫意，運筆、水分容易控制。
然後根據作品選擇相應的筆與宣紙。

臨摹好的作品掛在牆上自己多看，對照原作找毛病。
覺得還可以就讓周圍的人評論一下，大家認為還可以就可以到專業網站求教了，現在熱心人不少，一定會有所收益的。

如果能進入專門的培訓班也是一條比較好的學習途徑與環境。

『捌』 國畫竹子畫法技法教程

國畫竹子畫法技法有寫竿法、寫節法、寫枝法、寫筍法、寫葉法等技法，其教程如下：

一、寫竿法：

墨竹寫竿，要選較硬的蘭竹筆為宜。運筆要有起、行、收的過程。行筆不可太慢，亦不可太快。中鋒行筆，可先下而上，亦可先上而下，初短後長，節節相承，筆意貫通，至稍漸短漸細。

畫兩竿竹或兩竿以上時要注意：一是忌平行，竹節要錯開；二是交叉忌垂直，更忌多竿交於一點；三是一般情況下畫竹要求彎節不彎竿，但亦不可太直，太直則僵，要有一定弧度，才能表現出竹竿的彈性；四是多竿竹時要注意濃淡虛實的變化。

寫葉要有大小、長短、肥瘦、正側、俯仰、濃淡等變化。老葉、枯枝多下垂，用宜枯；新葉、嫩葉多上揚，用筆宜濕；正葉宜畫寬，側葉宜畫窄，前葉宜濃，後葉宜淡。

天氣不同，葉的姿態亦不同。晴天之葉勁拔爽利，四面生發；風起之時則臨風飄舉，因風取勢；下雨時虛心低首，蒼翠欲滴；雪壓時則擁雪搖曳，欲揚先抑。

寫葉之最要緊處在疏密變化，古人總結為「疏可走馬，密不透風」。畫者要多到竹叢前觀察，特別是逆光時觀察，最易體會竹葉的疏密變化。

寫葉常見弊病有：交叉如「義」、如「井」、如手掌等。畫葉不可太寬，太寬則如桃；不可太細，太細則如柳。

『玖』 如何學習花鳥畫

學寫意花鳥畫要想入門：

首先，最好是先尋找書畫基礎培訓班上上課！

其次，學些基本筆法、墨法、水法、技法、技巧、用色、配色、立意、構圖、章法、布局、款識，等基礎知識。

第三，在掌握一定的技能後再學習一些特殊技法，如：加鹽破墨法，加礬，加鹼、加肥皂水，加洗滌靈、加一些可溶性材料等等的特殊效果方法。

第四，初學臨摹時，先去畫店或書店選一些你覺得最容易找到感覺的，最能和你產生共鳴的優秀範本畫集，但不要過於繁瑣，要簡潔明快，用筆用墨大膽而又不失於法度的大家之作，作為你的摹本由淺入深，由簡到繁，循序漸進，不斷加深，逐漸遞進。

第五，要想提高的快，最好多參加筆會，多結交畫友，多結識書畫家，結交書畫高手，書畫名家，書畫行家，書畫大家，書畫大師，再多參觀書畫展覽等等，相信不久的將來，你也一定成為書畫行家和高手的。

第六，選擇行家，專家，名家，大家，大師，拜師學藝，多加指導，點撥，提升，然後創作，繼承中發展自己的個性、特性、創造性。

最後與之你早日學成，成功！